Projeto: Desenho Animado
Problematização
Projeto: Desenho Animado
Problematização
Vivemos em um momento muito promissor para as animações. Os festivais de cinema estão exibindo novas animações constantemente, televisão e web estão cheias de conteúdo animado para crianças e adultos, e os anunciantes têm procurado nas animações uma forma de encantar seus clientes. Vale lembrar que existe uma premiação no Oscar anual (prêmio importante da academia de cinema americano) específica para as animações. Os profissionais de animação estão em alta demanda, e as oportunidades de prosperar no campo estão em expansão.
Discutiremos nesta unidade como é o processo de criação de animações a partir de uma ideia inicial capturada a partir de uma entrevista a um potencial cliente, prosseguindo com a pré-produção, desenvolvendo um argumento e imagens conceituais de acordo com os pré-requisitos encontrados na entrevista inicial ao cliente, o briefing criativo. Nessa etapa inicial, focaremos a fase de pré-produção de uma animação e conheceremos as características das demais fases.
A animação é uma forma de expressão audiovisual que pode ser adaptada a qualquer função, desde exemplos óbvios, como filmes, séries de televisão e comerciais de publicidade, passando pelo desenvolvimento de sites, aplicativos móveis e jogos, até aplicativos mais diversos nos campos da medicina, da engenharia e da arquitetura. A animação prova que é um meio que tem a capacidade de entreter, informar, educar e inspirar. Os principais estúdios de Hollywood estão recorrendo cada vez mais às técnicas de animação para concretizar suas ideias, e outras organizações e governos também estão acordando para a possibilidade de usar a animação para explicar, reforçar ou promover sua mensagem.
A animação é um meio ilimitado de contar histórias. Os artistas podem criar mundos, desafiar a gravidade, mudar do factual para a fantasia e transportar o público para lugares em que nunca imaginaram estar. Para produzir uma animação, alguns profissionais de diversas áreas do conhecimento poderão se envolver no projeto e algumas etapas de desenvolvimento devem ser seguidas para se evitar o retrabalho ou desenvolver uma animação muito distante do que o público-alvo identificado como consumidor dessa animação desejaria consumir. Todos os projetos de animação têm um fluxo de trabalho, conhecido como “pipeline”, que reconhece três fases distintas: pré-produção, produção e pós-produção, sendo que cada fase pode ter seu próprio “pipeline” indicando as subfases de cada fase principal.
Uma das etapas mais importantes no desenvolvimento de uma animação é a pré-produção. Vamos iniciar conhecendo as características dessa fase.
Iniciar o desenvolvimento da animação antes de concluir as etapas de pré-produção é muito arriscado, pois precisamos saber quais são as reais necessidades do cliente ou do público que devemos atingir. Para contar uma história animada, é primordial, antes de tudo, planejar. A maioria dos projetos com falhas começaram sem a devida atenção à pré-produção. Nesse período de um projeto, é essencial saber qual produto será desenvolvido, ou seja, essa animação “tem algo dizer?” (como um anúncio de serviço público, uma campanha de vacinação, por exemplo) ou “algo a vender?” (como uma propaganda).
Essas perguntas devem ser respondidas antes do desenvolvimento da animação. A seguir, temos os elementos que devem ser produzidos nessa fase:
Briefing: Se você foi contratado para desenvolver uma animação, ou seja, se você está trabalhando em conjunto com um cliente, provavelmente receberá um resumo criativo, conhecido como briefing criativo. Se bem-feito, esse documento deve explicar os objetivos do cliente, os prazos de desenvolvimento e o público-alvo. O briefing é importante para que os responsáveis pelo desenvolvimento da animação e o cliente falem a mesma língua. Agora, nem sempre esse briefing criativo está pronto, em muitos casos, será necessária uma boa conversa com o cliente para que se consiga capturar a mensagem que será passada e de que forma. Falaremos um pouco mais sobre isso mais à frente. Mesmo para um projeto pessoal, é recomendado que se crie o próprio briefing criativo, para que seja utilizado como norteador das ideias a serem utilizadas na animação.
Script: Um script é um documento que detalha o “enredo” de uma produção animada por escrito, permitindo que uma história seja contada. Estruturalmente, um script é dividido em seções consecutivas menores chamadas “cenas”. Cada cena descreve cronologicamente a ação principal, incluindo detalhes fundamentais, como quem está falando e quais ações ou gestos figurativos acompanham seu discurso. Também se pode incluir detalhes como ações futuras, interlúdios musicais, narração ou efeitos sonoros para apoiar a narrativa. O script oferece aos responsáveis pela animação a oportunidade de interpretar a história utilizando processos visuais e auditivos distintos. Resumidamente, o script permite que um animador planeje como dramatizar ações detalhadas em cada cena na pré-produção e crie esses movimentos dramáticos quando o projeto entrar em produção.
Argumento: Na fase de pré-produção, na qual um projeto ainda precisa ser mais bem-elaborado e precisa passar por uma aprovação por parte do cliente, por exemplo, o autor ou a equipe de desenvolvimento podem optar por criar um argumento antes da elaboração de um script mais completo. Um argumento é um documento em forma textual que descreve toda a ação da história, começo, meio e fim, porém deve ser objetivo, preso aos fatos e narrado de forma direta.
Conceitos e ideias: O script é entregue a um diretor, que orienta a equipe a interpretar o material visual e auditivamente. Os conceitos são explorados, e desenvolvidos e as ideias resultantes recebem formas visuais e auditivas grosseiras, para que as primeiras impressões da produção possam ser formadas e consideradas.
Pesquisa: As ideias iniciais podem ser exploradas por meio de pesquisas mais focadas e sustentadas, coletando informações por meio de observações e montando esse material em uma ordem metódica que pode ser usada no ambiente de estúdio para adicionar mais detalhes e expressão às ideias iniciais.
Sinopse/Pitch: O projeto pode ser apresentado ao cliente por meio de uma sinopse ou apresentação em formato de pitch (veremos mais detalhes à frente), em que a história ou ideia será resumida por meio de uma apresentação que compreende um ou mais dos seguintes elementos: um pré-script ou argumento ou, ainda, um sumário de ideias, imagens conceituais (ou um storyboard), uma trilha sonora temporária, amostras de dublagens e ideias de efeitos especiais.
Storyboard: Um storyboard é desenvolvido para ilustrar a narrativa, definindo a cena, introduzindo personagens, estabelecendo onde o diálogo se encaixa com a ação, sugerindo ângulos da câmera e determinando os efeitos sonoros. Isso é testado como uma “animação”, mesclando visão e som para começar a dar sentido ao ritmo e ao tempo do material para o público. À medida que a produção se desenvolve, o mesmo ocorre com a qualidade das informações contidas no storyboard.
Desenvolvimento: Cenários, cenas e personagens são visualmente desenvolvidos em conjunto com o material de pesquisa coletado, enquanto a equipe trabalha a forma como animar as informações contidas no storyboard. Isso envolve uma análise detalhada de como a produção é construída (como mover itens no set, como os personagens andam, conversam e interagem, como a iluminação será definida e as câmeras capturam cada quadro) para que quaisquer problemas de produção sejam resolvidos antes das filmagens. O cronograma de produção é estabelecido e publicado para a equipe.
Som: a escolha do som ambiente, o diálogo, a narração, a música e os efeitos especiais são finalizados e projetados em estreita colaboração com o desenvolvimento visual que está ocorrendo. A música é encomendada se for necessária uma partitura, os dubladores são auditados para papéis de narração e diálogo.
Animatic: é um storyboard animado. Os quadros desenhados da animação são inseridos em um programa de edição e são cortados juntamente com o tempo e o ritmo corretos do filme. Eles incluem efeitos sonoros básicos, gravações de diálogos e trilha sonora. Uma das funções do animatic é definir o tempo para uma cena da animação, mas sua principal função é testar as ideias antes que a fase de produção seja iniciada.
Originalmente, as animatics eram criadas filmando desenhos com uma câmera e editando o filme em várias cenas. Hoje, pode-se criar um animatic utilizando softwares como Photoshop, After Effects ou software de animação especializado, como o Boords.
Após o processo de pré-produção, começamos o processo de produção no qual a animação é realmente desenvolvida. Uma das grandes vantagens da produção de uma animação é a flexibilidade de formas em que ela pode ser produzida. Essa flexibilidade garante a coexistência de processos tradicionais e digitais, permitindo que tradicionalistas e puristas continuem produzindo trabalho em campo, mas abrindo a possibilidade para que novos participantes também possam usar a animação para produções de comunicação, informação, educação e entretenimento.
Existe hoje uma grande variedade de métodos de produção usados para criar conteúdo animado: animação tradicional, também conhecida como animação cel (celulose), do inglês animation cel, que utiliza lápis e papel para criar a animação, animação 2D gerada em computador, stop motion, imagens 3D geradas por computador (CGI) e outros processos não ortodoxos.
Vamos conhecer um pouco mais sobre os processos de produção mais utilizados.
Animação cel ou animação tradicional 2D (duas dimensões): Uma maneira comum de entender os princípios básicos da animação é através do processo de simples animação cel. A técnica tem sido amplamente utilizada, desde longas-metragens de animação até comerciais de televisão animados. A animação cel representa para a maioria das pessoas o que é uma animação, pois é frequentemente assistida por elas quando criança através de desenhos animados da TV. O processo de animação cel dá ao animador uma grande liberdade artística e um íntimo senso de envolvimento com a criação. Os desenhos bidimensionais são criados em superfícies separadas que são calibradas fixando-as na mesma posição e são fotografadas. Depois, são reproduzidas em ordem, de modo a criar uma sequência linear simples e animada, processo esse patenteado por Earl Hurd em 1915.
Animação 2D gerada por computador: A animação 2D gerada por computador é criada, produzida e editada exclusivamente usando a tecnologia digital. O animador comanda o computador para armazenar e agir de acordo com as instruções criativas, processando-as em uma forma de dados matemáticos que traduzem como cada quadro de animação é construído. Embora alguns possam considerar a tecnologia digital um fenômeno relativamente jovem, na animação, ela existe há um período significativo. Atualmente, existe uma variedade significativa de softwares de produção, edição e composição disponíveis. Essa disponibilidade e acessibilidade de novas tecnologias abrem novas portas para os animadores e também incentivam outros criativos a explorarem a animação gerada por computador.
Stop-Motion (Parar-Movimentar): Como o termo indica, um simples “movimento” pode ser criado entre “paradas”, manipulando elementos de forma incremental na frente ou embaixo de uma câmera e, em seguida, fotografando o resultado como um quadro individual. Quanto mais sutil for a movimentação e quanto maior for a quantidade de fotos (quadros), mais suave é a transição quando reproduzida em sequência. É isso que torna o stop-motion tão demorado para ser feito, mas igualmente recompensador. Para um segundo de animação, 24 quadros precisarão ser manipulados, ancorados e gravados. O stop-motion pode ter um formato bidimensional (2D) ou tridimensional (3D). Para o desenvolvimento do stop-motion, a animação pode ser feita utilizando várias técnicas, como animação argila, recortes de papel e outros.
Imagens 3D geradas por computador ou 3D Computer-Generated Images (CGI): A animação 3D gerada por computador permite que os animadores criem e manipulem mundos nos quais personagens e ambientes são construídos como dados renderizados matematicamente em três dimensões. Como na animação em stop-motion, as imagens tridimensionais geradas por computador são criadas predominantemente em um estado artificial e todos os aspectos do que é visto na tela precisam ser construídos e animados. Isso inclui principalmente personagens, acessórios e cenários. Os animadores que trabalham nesse campo, portanto, precisam ter não apenas um conhecimento completo dos programas que estão usando para criar a produção, mas também uma percepção significativa das técnicas de cinematografia, movimento e narrativa para dar vida às ideias.
Rotoscopia: A rotoscopia é uma técnica de animação que os animadores usam para desenhar cenas de filmes, quadro a quadro, para produzir ações realistas. Originalmente, os animadores projetavam imagens de filmes “live action” em um painel de vidro e desenhavam a imagem. O equipamento utilizado para esse tipo de projeção é o rotoscópio criado pelo polonês-americano Max Fleischer. Atualmente, esse processo é feito por computadores, o que acabou “aposentando” o aparelho de Fleischer, mas o processo ainda recebe o nome de rotoscopia.
As grandes produções de Hollywood e os games de sucesso têm suas animações feitas por atores em um estúdio com roupas marcadas com pontos e uma tela verde ao fundo, chamada de Chroma Key. A movimentação dos atores é capturada por câmeras com a ajuda dos pontos adicionados às roupas. Essas movimentações são utilizadas para dar “vida” a bonecos virtuais criados por computador. A produtora do jogo Last of Us em um making off apresenta como essa tecnologia é utilizada e qual o resultado.
Para saber mais sobre esse assunto, acesse o link a seguir.
O processo de criação de uma produção animada varia de acordo com a técnica empregada pela equipe de produção. Embora alguns projetos sejam razoavelmente simples e diretos, muitos confiam na mistura de técnicas de produção. O processo de produção requer o teste de sequências concluídas, visualizando-as em conjunto com o som, tomar decisões sobre o andamento da animação e alterando ou confirmando a programação preestabelecida para a produção.
A pós-produção sinaliza a fase final da jornada do projeto de animação. Seu objetivo é integrar a imagem, o som e os efeitos especiais construídos no processo de produção em um único produto.
Diferentemente da produção cinematográfica tradicional, a pós-produção da animação é comparativamente curta como um processo, mas pode levar muito tempo para ser concluída. Embora grande parte da criação e construção física da animação tenha ocorrido no longo ciclo de produção, a pós-produção pode ser significativamente mais longa em termos de tempo programado. A crescente variedade de usos para animação, juntamente com as plataformas de visualização disponíveis, requer consideração para garantir que o trabalho atenda às expectativas técnicas, práticas e críticas necessárias do público-alvo ou do mercado-alvo.
Na fase de pós-produção são feitas a edição da animação, a correção de cor do filme, a adequação aos diferentes meios de exibição da animação, como cinema e TV, a inserção de textos e créditos finais, a mixagem de som, entre outras atividades. É nessa fase também que as ações de marketing para o filme são programadas.
É importante saber que no processo de planejamento até a pós-produção existe a necessidade de entender a variedade de tarefas envolvidas na criação de um projeto de uma animação, o que cada tarefa implica e em que estágio essas funções operam. Os membros da equipe precisam conhecer e entender seus papéis desde o início. Em um longa-metragem ou uma série de televisão, os papéis são claramente definidos e os animadores costumam ser contratados por um estúdio para estabelecer ou complementar equipes. Nas produções independentes, um indivíduo pode desempenhar várias funções simultaneamente, dependendo do tamanho da equipe e do tamanho do orçamento.
Vamos aqui descrever os principais profissionais que podem estar envolvidos no projeto de criação e produção de uma animação (SELBY, 2015):
Diretor: responsável pela produção, incluindo a supervisão do storyboard, desenvolvimento e produção da obra de animação.
Produtor: trabalha em estreita colaboração com o diretor, supervisionando e controlando as equipes em vários estágios de produção e pós-produção para trazer o projeto dentro do prazo e do orçamento.
Diretor de arte: responsável pela aparência intrínseca do projeto e por comunicar essa visão às equipes de produção.
Editor de filmes: trabalha em estreita colaboração com outros membros da equipe principal para revisar e editar passagens e combinações de sequências animadas, a fim de contar a história de maneira mais convincente.
Supervisor de produção: entra em contato com o diretor e o produtor para gerenciar o projeto e garantir que as equipes estejam preparadas para passar e receber trabalho nas fases de produção.
Supervisor de script: garante que o script, ou história, esteja sendo seguido, verificando a precisão de qualquer evento da animação em desenvolvimento.
Artista de storyboard: responsável pela resolução de problemas, planejamento e visualização de como as ideias e os conceitos iniciais dos scripts podem ser realizados em um storyboard.
Diretor de animação: geralmente é um animador sênior com experiência em produções anteriores e capaz de gerenciar a equipe colaborativa de animadores.
Animador: um artista que entende os princípios do movimento, da animação. Imaginando e criando os vários quadros que vão compor a animação. Esse profissional tem que entender a respeito de uma grande variedade de técnicas e tarefas envolvidas na criação de um projeto, o que cada tarefa implica e em que estágio essas funções operam. Em um longa-metragem ou série de televisão, os papéis são claramente definidos e os animadores costumam ser contratados por um estúdio para estabelecer ou complementar equipes. Nas produções independentes, um indivíduo pode desempenhar várias funções simultaneamente, dependendo do tamanho da equipe e do tamanho do orçamento, a fim de ver a produção desde o conceito até a conclusão.
Gerente de arte: responsável por coordenar o bom funcionamento do departamento de arte e animação.
Escultor: um artista que traduz desenhos bidimensionais em formas tridimensionais que podem ser utilizados por animadores por meio de softwares para animação 3D ou como próprio objeto de animação, como em uma animação que utiliza marionetes.
Designer de personagens: pesquisa, desenvolve e executa o design de personagens em forma humana e de objeto.
Gerente editorial: assume o controle da história, garantindo a continuidade entre o roteiro e a arte, apontando imprecisões e reunindo equipes para encontrar soluções na fase de pré-produção.
Supervisor de som: coordena os vários aspectos da produção de som.
Supervisor de pós-produção: às vezes conhecido como “diretor técnico”, essa função garante que a animação concluída seja produzida e empacotada para distribuição.
Editor de música: é responsável por compilar, editar e sincronizar a partitura musical em produção e garantir que o cenário sonoro musical seja processado corretamente na pós-produção.
Imagine aprodução de uma animação da Pixar como “Toy Story” ou “Monstros S.A.”. Será quesomente uma pessoa está envolvida no processo de criação dessas animações?Imagine a quantidade de profissionais envolvidos.
Para a produção de uma animação, esse processo envolve diversas etapas, como as já descritas, até a finalização do produto final, a animação. Para otimizar o tempo de produção e o barateamento do custo do produto, o autor e/ou equipe de desenvolvimento tem à disposição alguns softwares comerciais pagos e softwares gratuítos, na categoria open-source para o auxílio no desenvolvimento da animação. O modelo de software open-source, ou software de código aberto, é um tipo de software de computador no qual o código-fonte é liberado sob uma licença por meio da qual o detentor dos direitos autorais concede aos usuários o direito de estudar, alterar e distribuir o software a qualquer pessoa e para qualquer finalidade.
A seguir, temos alguns exemplos de softwares comerciais e de código aberto para o desenvolvimento de animações.
Toon Boom Harmony: Software comercial, utilizado para produção de longas-metragens e séries animadas em duas dimensões (2D). O software é similar ao Adobe Animate e um dos primeiros programas que surgiram no mercado específicos para a animação. Muito utilizado por sua facilidade de animação de personagens e por possuir recursos de lip sync (sincronização da movimentação da boca do personagem com sua fala).
Adobe Animate: Software comercial para animação muito utilizado para animação 2D para jogos, programas de TV e Web. O software é uma atualização do antigo Adobe Flash, que já foi uma referência em produções para animação para internet e muito utilizado para a criação de anúncios e banner animados.
Adobe Photoshop: Software comercial referência no tratamento de imagens e fotografias e criação de imagens do tipo raster (também conhecidas como imagens do tipo bitmap, em que é possível ter uma descrição de cada pixel da imagem, dessa forma, poder editá-lo). O Photoshop pode ser utilizado para a criação de storyboards e possui recursos de animações para a criação de gifs animados e animatics.
Gimp: Software de código aberto similar ao Photoshop. Pode ser utilizado para o tratamento e a criação de imagens do tipo raster para a produção de storyboards e esboços e também possui recursos de animação para a criação de gifs animados e animatics.
Boords: Aplicativo comercial on-line específico para a pré-produção de animações. O aplicativo apresenta recursos para a criação de desenhos e para animá-los em formato de animatics.
Autodesk Maya: Software comercial muito utilizado pela indústria da TV e do cinema. O software possui ferramentas para animação 3D, modelagem de personagem e objetos, texturização e também edição de vídeo.
Blender: Blender ou Blender3D, como também é conhecido, é um software de código aberto utilizado para animação 3D, modelagem, texturização e edição de vídeo.
Adobe Illustrator: Software utilizado para a criação de imagens do tipo vetor (imagens criadas a partir de desenhos geométricos, como linhas, círculos e retângulos, todas formadas por expressões matemáticas, sendo assim, o redimensionamento das imagens vetorias não é aplicado na perda da sua qualidade, com as imagens do tipo raster). O software pode ser utilizado para a criação de personagens e demais objetos da animação. Também possui ferramentas para a criação de gifs e animatics.
Inkscape: Software de código aberto utilizado para a criação de imagens do tipo vetor. Pode ser uma alternativa gratuita ao Adobe Illustrator.
A utilização de softwares pode permitir ao autor da animação uma produção de maneira independente, com um baixo custo e por um curto período. Podemos observar que o processo de desenvolvimento de uma animação é composto por várias etapas, etapas essas que podem ser desenvolvidas por vários profissionais. É claro que a quantidade de etapas e a quantidade de profissionais envolvidos vão depender do tamanho do projeto. Projetos menores e independentes podem ser feitos com a quantidade de etapas e profissionais reduzidos, mas as grandes produções, como os longas-metragens, tendem a utilizar profissionais de diversas áreas e o processo de desenvolvimento da animação pode demorar vários meses e até anos.
Uma das vantagens do desenvolvimento de uma animação é a grande liberdade criativa que o autor e/ou a equipe terão em seu desenvolvimento. Muitas formas de produção podem ser utilizadas, desde técnicas mais tradicionais até técnicas mais modernas utilizando meios computacionais. Assinale a alternativa que define melhor as animações do tipo cel.
O conteúdo de um filme de animação, independentemente de seu uso final, não deve ser simplesmente evocado do nada. O conteúdo pode ser introduzido por meio de um script, um resumo, uma adaptação de um trabalho anterior da literatura ou da imaginação de um indivíduo. Os conceitos costumam ser pensados, ponderados e debatidos muito antes de um projeto animado entrar em produção ou antes de uma série ou anúncio ser encomendado. Conceitos são ideias abstratas que precisam de tempo, pesquisa e desenvolvimento estrutural para se tornarem ideias concretas, tendo forma e fundamento.
Na pré-produção, a equipe de animação experimenta e testa inúmeros conceitos iniciais, descartando-os ou desenvolvendo-os. Esses conceitos iniciais garantem que as histórias tenham bases sólidas e que possam ser comunicadas de maneira reveladora ou que permitam ao público identificar um produto ou serviço antes de seus concorrentes. Talvez o mais crucial de tudo seja que essas ideias possam tornar o resultado final uma animação original. As ideias são a essência da animação, da qual todos os outros ingredientes dependem, validando e autenticando o conteúdo para o público.
Como essas ideias e conceitos iniciais podem ser produzidos? Se você estiver trabalhando com um cliente, seja para um filme de alto orçamento, um anúncio de serviço público, animação para um site ou em um anúncio de TV, é altamente recomendado que você escreva um resumo criativo do projeto, também conhecido como brief ou briefing. Para a criação de um briefing criativo, algumas perguntas podem ser feitas ao cliente. Vamos conhecer algumas delas.
O que deve ser? Qual é o produto final?
Curta-metragem, mensagem pública, propaganda, filme de longa-metragem etc.
Quem é o cliente?
Uma grande empresa automotiva, uma ONG ou um grande estúdio cinematográfico.
Qual é o objetivo da animação?
Vender fraldas, arrecadar dinheiro para um hospital, introduzir um mundo complexo em um longa-metragem etc.
Quem é o público-alvo? Para quem é o projeto?
Uma animação para um festival de cinema, audiência de TV composta por meninos de 11 a 14 anos, pessoas da terceira idade etc.
Quanto tempo deve ter?
Trinta segundos, dois minutos etc.
Qual o prazo de produção?
Em um mês, em seis meses etc.
Qual é o orçamento para o projeto?
O orçamento é limitado ou a quantidade de dinheiro envolvida no projeto será mais que suficiente.
Vamos a dois exemplos de interpretação de briefing.
Exemplo 1: Empresa de transportes de pequeno porte
Empresa de transportes de pequeno porte deseja criar uma animação para ser veiculada nas redes sociais. Após realizar o briefing, chegamos às seguintes repostas:
O que deve ser? Qual é o produto final?
Publicidade para ser veiculada nas comunidades sociais.
Quem é o cliente?
Empresa de transportes de pequeno porte, situada na cidade São Paulo.
Qual é o objetivo da animação?
Vender seu serviço de entregas através do aplicativo Entrega Express.
Quem é o público-alvo? Para quem é o projeto?
Pequenos e médios empresários que precisam realizar entregas dos seus produtos, como padaria, restaurantes, lojas on-line etc.
Quanto tempo deve ter?
A publicidade será veiculada antes da execução dos vídeos nas plataformas como Youtube e Facebook, dessa forma, deverá ter no máximo 15 segundos.
Qual o prazo de produção?
Um mês.
Qual é o orçamento para o projeto?
Orçamento limitado.
Analisando o briefing, é possível observar que, para a produção dessa animação, você como diretor da animação não poderá contar com uma grande quantidade de profissionais envolvidos devido ao orçamento limitado. Opções de produção mais baratas deverão ser pleiteadas. Como o tempo da animação é relativamente curto (15 segundos), o prazo de produção da animação é condizente com o trabalho que será realizado. Caberá à equipe de produção mostrar em 15 segundos os diferenciais de entrega da empresa e como essa animação poderá ser atrativa ao seu público-alvo.
Exemplo 2: Empresa farmacêutica de grande porte
Nesse segundo exemplo, um briefing foi realizado em uma empresa farmacêutica de grande porte que deseja criar um comercial que será veiculado nas grandes emissoras de televisão.
O que deve ser? Qual é o produto final?
Comercial publicitário para ser veiculado na televisão e nos cinemas.
Quem é o cliente?
Grande empresa do ramo farmacêutico.
Qual é o objetivo da animação?
A empresa passa por um momento difícil devido a fake news envolvendo seus produtos e testes com animais. A empresa quer utilizar a animação para demonstrar para o público que as denúncias são inverídicas, pois ela sempre prezou pelo cuidado e pelo bem-estar animal.
Quem é o público-alvo? Para quem é o projeto?
Público em geral, mas principalmente seus principais consumidores, que são mulheres na faixa dos 25 aos 50 anos.
Quanto tempo deve ter?
A animação deverá ter 3 minutos.
Qual o prazo de produção?
Três meses.
Qual é o orçamento para o projeto?
A empresa está disposta a fazer um grande investimento em produção.
Nesse outro exemplo, visto que o prazo é mais extenso e o orçamento permite, a produção da animação poderá contar com mais profissionais envolvidos e a animação terá recursos diferenciados, como dublagem e produção musical. Caberá aqui na produção da animação identificar uma forma de se comunicar com o público que deseja atingir, nesse caso, mulheres de 25 a 50 anos, sabendo que a mensagem que a animação quer passar é um tema um pouco delicado.
Observe que nos dois exemplos apresentados, o briefing foi de extrema importância, primeiramente para saber qual é o produto, o tipo de animação que deverá ser desenvolvida. Com o briefing, também foi possível analisar principalmente o público-alvo, ou seja, quem serão as pessoas que deverão ser impactadas pelo produto. Entra também nessa análise a questão financeira da produção, com quantos profissionais a equipe de produção poderá contar e o prazo em que esse profissional deverá entregar seus respectivos trabalhos.
Outros questionamentos podem ser adicionados ao briefing inicial, se adequando a cada projeto. Aqui seguem algumas outras perguntas que podem ser pertinentes a um projeto de animação (SELBY, 2013).
Vale saber que essas mesmas perguntas podem ser utilizadas para uma produção autoral independente. É importante saber para quem sua animação será direcionada, qual o público, qual a idade, qual a mensagem que você deseja passar com seu filme animado.
O briefing é uma ferramenta muito importante para autor e/ou equipe de desenvolvimento de uma animação. O briefing tem entre suas características ser o documento norteador inicial para o desenvolvimento de uma produção, seja uma produção independente ou encomendada, como um comercial. Quais das alternativas a seguir são características que um briefing pode possuir?
Você possui um briefing nas mãos, agora é hora de analisá-lo e começar a visualizar como será a animação, como a mensagem desejada deverá ser transmitida ao público. Nessa fase de desenvolvimento, ainda na fase de pré-produção, é o momento em que a base criativa de um projeto é estabelecida por meio de materiais visuais e escritos. Fatores que influenciam diretamente esse processo são o conteúdo da história, o orçamento e o prazo de desenvolvimento. Igualmente importante é satisfazer o cliente, ou seja, quem está pagando pela animação.
É aí que começa o processo de desenvolvimento criativo da animação: identificar um conceito, uma ideia. Você pode procurar materiais em uma ampla variedade de locais para obter uma ideia para a animação. As ideias de histórias em potencial podem ser encontradas em histórias em quadrinhos, novelas gráficas, contos clássicos de domínio público, brinquedos, livros infantis, músicas, além de personagens e conceitos originais. Não há regras definidas sobre quando ou onde uma ótima ideia pode ser encontrada. A chave é a capacidade de reconhecer uma e saber vendê-la ao cliente.
Para os autores Zahra Dowlatabadi e Catherine Winder (2013), os quadrinhos são uma ótima fonte de inspiração para coletar ideias e estas serem adaptadas:
Os quadrinhos e as graphic novels estão entre os tipos mais fáceis de se adaptar à animação. Com um estilo visual estabelecido, personagens totalmente desenvolvidos e um enredo, o produtor possui quase todos os principais ingredientes necessários para iniciar a pré-produção. Normalmente, os melhores lugares para localizar histórias em quadrinhos e graphic novels são nas convenções de histórias em quadrinhos (DOWLATABADI; WINDER, 2013, p. 3).
Talvez um personagem inspirado nos quadrinhos ou no desenho animado possa ser utilizado na animação do exemplo do primeiro briefing. Um personagem rápido que possa realizar as entregas, como os personagens Papa-Léguas ou Ligeirinho (Speedy González) ou, ainda, um novo personagem inspirado nos motoboys que cortam a cidade de São Paulo realizando entregas.
Toda animação começa com uma conversa sobre uma ideia. Dependendo do tamanho do time de desenvolvimento e é claro do tamanho do orçamento, é possível ter uma equipe de pesquisadores para conversar sobre o briefing e aprender o máximo possível sobre seu produto, serviço ou problema. Esse processo de pesquisa também pode avaliar o mercado para descobrir o melhor método para divulgar a mensagem certa da melhor maneira para a marca e/ou o cliente.
Analisando o segundo briefing, apresentado no exemplo 2, é possível fazer uma pesquisa ou até mesmo uma pesquisa de campo para poder identificar como as pessoas encaram as fake news. A partir das respostas obtidas, é possível trilhar um caminho de como a animação poderá ser desenvolvida.
Aqui está a importância da pesquisa, pois ela pode auxiliar a equipe de produção a conhecer o comportamento de determinado grupo de consumidores, com o intuito de melhor e orientar o planejamento de como o produto será apresentado.
A pesquisa não deve se limitar apenas aos conceitos comerciais da produção, mas também aos artísticos. Para o briefing apresentado no exemplo 1, podemos identificar quais são os problemas efetuados em entregas em grandes cidades como São Paulo? Como utilizar a cidade de São Paulo como cenário? Como é a cidade de São Paulo? Sua arquitetura? Suas referências. Como as entregas serão feitas por motoboys, como utilizar esse personagem? Pesquisas referentes ao tema deverão ser efetuadas. Como é um perfil de um motoboy? Como trabalham? Uma pesquisa por imagens e referências pode ser feita para “alimentar” a equipe de desenvolvimento:
Observe que a imagem pode ser utilizada como referência para o desenvolvimento de cenários e outros objetos importantes no desenvolvimento da animação. Para uma pessoa que nunca visitou a cidade de São Paulo e está envolvida no desenvolvimento da animação, as imagens de referência podem ser muito úteis.
Após a pesquisa realizada e com algumas ideias já esboçadas, envolve-se a exploração de scripts, conceitos visuais e sonoros e ideias a fim de preparar o material antes das filmagens e/ou produção da animação por meio tradicional ou utilizando ferramentas computacionais. O trabalho desempenhado nessa fase inicial permite maiores riscos criativos na pré-produção. Um planejamento cuidadoso permite que animadores, roteiristas, compositores, músicos, criadores de efeitos especiais e designers explorem completamente o assunto.
A pesquisa criativa e a pesquisa de campo são ferramentas importantes para o desenvolvimento da animação. A pesquisa pode ser um fator importante para evitar que a equipe de desenvolvimento escolha caminhos muito distantes da realidade do público-alvo. Pensando nisso, qual o momento ideal para a realização de uma pesquisa criativa?
Após a fase de pesquisa, é hora de apresentar as primeiras ideias por meio de representações gráficas e textuais do projeto por meio de representações gráficas e textuais estabelecendo possíveis soluções e um conceito a ser desenvolvido na produção.
Vamos aqui analisar o primeiro briefing apresentado. Após pesquisa, a equipe resolveu utilizar o personagem Mariana, uma motoboy da cidade de São Paulo, na animação. Um argumento foi produzido pela equipe de desenvolvimento, um argumento (REY, 2006) descreve toda a ação da história, com começo, meio e fim, personagens e tudo mais. É como um conto, porém, objetivo, preso aos fatos e narrado de forma direta.
Seu Jorge, dono de uma empresa de autopeças, todos os dias tem problemas com a quantidade de entregas que precisam ser realizadas para os seus clientes. As caixas com as peças estão empilhadas na sua empresa.
Oldemar, mecânico, cliente da empresa de autopeças do Seu Jorge, aguarda ansioso sua encomenda para terminar seu serviço. O cliente, dono do carro, já está impaciente e “bufando”.
Seu Jorge resolve utilizar o aplicativo Entregas Express. Quase que imediatamente, Mariana, a motoboy mais rápida de São Paulo, pega a encomenda com Seu Jorge e corta o trânsito pela cidade de São Paulo e realiza a entrega para Oldemar.
O mecânico Oldemar e seu cliente ficam felizes, Seu Jorge beija o celular com o aplicativo Entregas Express, e Mariana finaliza o vídeo fazendo um sinal de positivo. Vale lembrar que toda essa ação, segundo o briefing, deve ser animada em no máximo 15 segundos.
Algumas imagens de referência foram produzidas pela equipe de desenvolvimento. As imagens de referência são utilizadas como norteador ao “tom” da animação, ou seja, como será a temática do filme, como a equipe deseja que esse projeto pareça e como os espectadores se sintam. As pessoas vão descrevê-lo como gráfico, textural, limpo, corajoso, minimalista, nervoso ou vintage? Esse projeto terá uma estética artesanal ou será mais simples e mecânico? Obter a aparência correta é o primeiro passo para expressar sua ideia visualmente.
Imagens conceituais podem ser desenvolvidas pela equipe de produção. Essas imagens podem ser mais trabalhadas posteriormente. Lembrando que as imagens poderão passar por um processo de aprovação do cliente, nesse caso, uma atenção maior pode ser dada em seu desenvolvimento.
Com o argumento criado e as imagens conceituais produzidas, é necessário que o cliente, como no caso apresentado no primeiro briefing, aprove o projeto, aprove a ideia, para, aí sim, um script mais detalhado seja desenvolvido e a produção da animação seja iniciada. Mesmo que você esteja desenvolvendo uma animação inédita, um filme de longa-metragem, pessoas responsáveis pelo estúdio de produção precisarão aprovar sua ideia, seu conceito. A ideia da animação pode ser apresentada no formato de Pitch, que é uma ferramenta utilizada para “vender” um projeto ou uma ideia. O pitch é um formato de apresentação, normalmente, utilizado pelos empreendedores para mostrar as ideias de sua empresa para potenciais investidores. O tempo de apresentação é curto (entre 3 e 10 minutos) e deve trazer informações que sejam capazes de chamar a atenção de um investidor.
No mundo do desenvolvimento de filmes e animações, a equipe de produção pode utilizar essa ferramenta em uma apresentação para convencer a gerência da empresa que a sua ideia pode se tornar uma animação de sucesso. Normalmente, os tópicos compreendidos em um pitch são:
O formato de pitch não está sendo somente utilizado recentemente, o mesmo formato, talvez não ainda com esse nome, já foi utilizado outras vezes:
Cinco palavras. Foram o suficiente para resumir o filme de sucesso de Steven Spielberg sobre um grande tubarão branco comedor de homens que aterroriza os banhistas de praia em um pequeno resort de verão. Mas, acredite ou não, para obter essas cinco palavras, o autor do slogan precisava saber exatamente sobre o que era o projeto e para quem ele era (BLAZER, 2015, p. 1).
Para finalizar, vamos resumir quais são os itens importantes que devem ser construídos na etapa de pré-produto. Segundo a autora Liz Blazer (BLAZER, 2015), estes são os itens mais importantes que devem ser observados nessa etapa de pré-produção:
1. Escreva um briefing criativo.
2. Identifique sua grande ideia e crie uma história.
3. Determine a aparência do seu projeto através da influência e da pesquisa e experimente novas ideias.
4. Faça alterações em sua história com base em decisões de design.
Dessa forma, os itens iniciais para a aprovação do projeto estarão finalizados, basta agora que a equipe de produção se preocupe com a apresentação do projeto para o cliente ou a junta de aprovação ou, ainda, possíveis investidores. O infográfico a seguir descreve a linha do tempo da produção de uma animação, essa linha do tempo também é conhecida como “pipeline”. Veja no infográfico a seguir:
Para contar uma história animada é primordial, antes de tudo, planejar. Nesta etapa é essencial ao autor e equipe pensar na criação de um briefing criativo. Em caso de um cliente, fazer uma entrevista para conhecer o público-alvo e a mensagem que deverá ser “passada” pela animação.
Com pesquisas feitas, ideias definidas, script e storyboard finalizados é hora de animar. Utilizando o estilo de animação definido como stop-motion ou animação 3D geradas por computador as ideias começam a tomar forma.
A pós-produção sinaliza a fase final da jornada do projeto de animação. O objetivo da pós-produção é integrar a imagem, o som e efeitos especiais construídos no processo de produção em um único produto.
No infográfico foram descritas as principais atividades que devem ser desenvolvidas na produção.
Maria tem uma ótima ideia para o desenvolvimento de uma animação. Ela conseguiu uma reunião com investidores de uma grande produtora que poderão financiar seu filme. Os investidores ouvirão suas ideias em apresentação no formato de pitch. Qual das alternativas a seguir descreve melhor o que é apresentado em um pitch?
Ano: 2015
Comentário: O filme biográfico de Walt Disney conta a história de como Disney desenvolve o interesse pela animação e pelo cinema. O filme foca o período de dez anos antes da criação do personagem Mickey Mouse. Descreve as lutas e os fracassos antes de a Disney ser a empresa dominando a arte e os negócios da animação. O filme traz a parte não muito “glamurosa” do desenvolvimento de personagens e animações, um caminho difícil que todo autor de animações deve percorrer até o reconhecimento de seu trabalho. Assista para conhecer o processo de desenvolvimento de Disney e como isso pode te inspirar no desenvolvimento de suas ideias.
Para conhecer mais sobre o filme, acesse o trailer a seguir.
Editora: Blucher
Ano: 2017
Peter L. Phillips
Comentário: Existe pouca literatura específica para a produção de briefings, entretanto, esse livro pode auxiliar no processo de desenvolvimento de um bom briefing para evitar retrabalhos e, o principal, não conseguir atingir o público-alvo da peça e/ou do cliente.
Conhecemos quais são as etapas de desenvolvimento de uma animação, quais são suas características e como podemos desenvolvê-las. Conhecemos a importância de um briefing para a construção de uma animação, aprendemos que por esse documento podemos compreender melhor quem são os reais telespectadores dessa animação e quais são os objetos que ela terá.
Também vimos que o briefing possui alguns aliados, como a pesquisa, que pode auxiliar a equipe de desenvolvimento da animação a encontrar um caminho a ser seguido na produção. Aprendemos que, com o argumento e as imagens conceituais prontas, ainda temos que contextualizar a animação para o cliente e/ou os investidores.
BLAZER, L. Animated Storytelling: Simple Steps For Creating Animation and Motion Graphics. Peachpit Press, 2015.
PHILLIPS, P. L. Briefing: a gestão do projeto de design. São Paulo: Editora Blucher, 2017.
REY, M. O roteirista profissional: Televisão e cinema. São Paulo: Ática, 2006.
SELBY, A. Animation. United Kingdom: Laurence King, 2013.
WINDER, C.; DOWLATABADI, Z. Producing Animation. Estados Unidos: Focal Press, 2013.